THE WORLD OF CHARLES AND RAY EAMES

(EL MUNDO DE CHARLES Y RAY EAMES)

Exposición retrospectiva

Fechas : 21 Octubre 2015 – 14 Febrero 2016.

Lugar: Barbican Centre, Londres, Inglaterra.

Itinerancia:

• 17 Abril–4 Septiembre 2016 , Bildmuseet, Umeå, Suecia.

• 4 Octubre 2016–8 Enero 2017, Museo de Arte, Arquitectura y Tecnología

(MAAT), Lisboa, Portugal.

Comisario: Catherine Ince.

Diseño: 6A Architects.

Alicia González-Lafita / Pinelopi Antoniou

Cine y Arquitectura | Número 6 | Enero-Febrero 2016| Exposiciones

Charles y Ray Eames encarnaron la ilusión de la vida moderna, la esperanza y el optimismo de una sociedad recién salida de la guerra que confirmó el liderazgo de los EEUU de Norteamérica en el mundo occidental. Esta pareja de creadores americanos, de los mas influyentes del siglo pasado, abordó el diseño de un modo integral, abarcando desde la arquitectura hasta el diseño gráfico, pasando por el cine, el diseño de exposiciones, la educación y el mobiliario,sin olvidar la solución de problemas muy concretos, como lo atestiguan sus ferulizaciones para extremidades de soldados heridos en la guerra. El estudio de los Eames, instalado en California ,estuvo activo durante más de cuatro décadas, desde 1943 hasta 1988, y fue un núcleo generador de ideas pioneras e innovadores diseños desarrollados bajo la idea de que el buen diseño debe estar al alcance de la mayoría. Su trabajo, fácilmente reconocible, inspiró a muchos e incluso, sin ir mas lejos, algunos autores como Parnell afirman que si los Smithson fueron los pioneros del Brutalismo los Eames deberían ser considerados ‘Proto-Brutalistas’. Por tanto, qué mejor lugar para ubicar esta retrospectiva que el centro Barbican de Londres, utopía Brutalista de hormigón.

Recreación del modelo de habitación diseñado para la exposición For Modern Living (1949)

La exposición no es una enumeración exhaustiva de su trabajo sino un intento de capturar el mundo en el que vivieron y el mundo que inventaron, mostrando ideas y creaciones, que como Catherine Ince afirma, hoy en día ‘aún resuenan’.

Organizada en dos plantas, la exposición en la planta inferior navega cronológicamente a través de la producción de los Eames, contextualizando su trabajo y mostrando los distintos aspectos que éste abarcó: mobiliario, arquitectura, diseño gráfico, instalaciones, enseñanza y colaboración interdisciplinaria. La planta superior hace énfasis en distintos aspectos de su obra, mostrando la influencia que tuvieron en su trabajo múltiples viajes y su implicación en el mundo de la educación. Esta parte de la exposición explora, de un modo más concreto, cómo la pareja encontró inspiración en todos los aspectos de la vida, sin trazar barreras, en una constante búsqueda de asociaciones. Un espacio central de doble altura recuerda a intervalos el mundo al que esas producciones pertenecen.

El trabajo de los Eames solo puede apreciarse en su totalidad analizando el contexto en el que se desarrolló. Una suma de circunstancias entre las que destacan la victoria de los Estados Unidos en la Segunda Guerra Mundial, la idea de Nueva Vida Moderna que se asomaba a un futuro con la esperanza eufórica de un porvenir sin guerra, la producción en serie y la búsqueda de la igualdad social. Tadas estas, entre otras, sirvieron de entorno inspirador del trabajo de los Eames.

De la madera al vidrio La colaboración entre Ray y Charles Eames comenzó en 1943 cuando diseñaron ferulizaciones de madera contrachapada para brazos y piernas de soldados heridos durante la Segunda Guerra Mundial.

Vista de la instalación con juguetes y mobiliario infantil

Los Eames inventaron la maquina Kazam! para desarrollar el proceso de modelado de la madera, una de sus principales innovaciones. El procedimiento consistía en introducir aire en un globo durante 4 a 6 horas para presionar la pieza de madera contra un molde de yeso, calentado eléctricamente, y así esculpir la madera del modo deseado. Poco después, un amigo medico, impresionado por la eficacia de su procedimiento, les invitó a trabajar en moldes para inmovilizar piernas rotas y camillas para el ejercito, lo que les permitió tener acceso a maquinaria de última tecnología. Mediante este proceso fabricaron mas de 150.000 férulas que reemplazaron a las hechas hasta entonces en metal que dañaban a los heridos. Los Eames también diseñaron camillas y piezas para aviones, aunque estas no se llegaron a producir en serie.

En la escultura Untitled (splint sculpture) (1943), una abstracción de las ferulizaciones diseñadas para aliviar la guerra, se unen y manifiestan el lenguaje que Ray desarrolló posteriormente en sus murales y trabajo grafico y la técnica mediante la cual Charles experimentó con la flexibilidad de la madera contrachapada.

Esta escultura refleja el cambio en la naturaleza y actitud de su trabajo durante la Segunda Guerra Mundial y la Guerra Fría.

Una vez acabada la Segunda Guerra Mundial, los Eames adaptaron su procedimiento de modelado de madera contrachapada para la materialización de elegantes diseños de sillas y sillones, en las que distintos planos curvilíneos se buscan, se entrelazan y casi se tocan.

Y con la modernidad llega el paso de materiales vivos a materiales muertos, de la madera a la fibra vidrio. Las sillas, cuyo diseño nació en parte gracias a la flexibilidad de la madera, se convierten en sillas de fibra de vidrio, hechas en serie, para conseguir un objetivo que Charles veía en el buen diseño: que fuera accesible para el mayor numero de personas. Una vez que la madera se transforma en plástico, el material deja de informar a la forma, algo que ha ocurrido desde la Antigüedad, desde que la madera se convirtió en piedra, como en Stonehenge y en el Partenón. Gracias a esta transformación, la primera silla -Fiberglass Armchair– hecha en fibra vidrio, permitiendo su producción en serie, ganó en 1948 en segundo premio en la competición internacional de mobiliario a bajo precio (International Competition for Low-Cost Furniture Design) organizada por el MOMA.

Reconstrucción de la Eames Office para el Ovoid Theater del IBM Pavilion de la feria mundial de Nueva York

La escenificación Dentro del complejo mundo creativo de los Eames, es particularmente interesante su relación con el cine u otros medios capaces de mostrar la imagen en movimiento, y de hecho, Charles Eames fundó el departamento artístico de estudios MGM. Los Eames vieron en el cine un medio perfecto para desarrollar y distribuir ideas en masa, al igual que sus sillas. Emplearon el cine, la fotografía y las instalaciones audiovisuales para publicitar sus diseños, como método de enseñanza y para la difusión de ideas. A través del cine crearon ventanas al interior de mundos controlados con el fin de mostrar al resto del orbe estas perfectas realidades. A través de sus instalaciones y películas, durante la Guerra Fría, los Eames persuaden, ilusionan y visionan.

Sofa Compact (1954) muestra a una joven y atractiva pareja montando un elegante sofá diseñado por Charles Eames. Se ve como abren la caja de cartón que lo contiene, observan las distintas piezas y cuidadosamente las encajan.

Posteriormente, ella se sienta en el sofá, acaricia la tapicería e invita a su pareja a sentarse con ella. Esta visionaria película, deja entrever lo que ocurrirá décadas después ¿les suena Ikea? Claro, que probablemente esto haya sido entre interjecciones y no seductoramente vestidos. Una vez que la modernidad nos alcanza todos, pierde la exclusividad que de algún modo está presente en esta seductora película.

La instalación Think, diseñada para el Pabellón de IBM en la Exposición Universal de Nueva York en 1964, es de distinta naturaleza. 22 pantallas muestran como ordenadores y personas hacen frente a un problema: esto es simplificando su diagrama más esencial para dar así con la respuesta. La instalación invita a la reflexión y crece en el espectador, ofreciéndose como una lente para enfrentar dilemas en la vida diaria. Ésta también nos recuerda la esencia del diseño de los Eames: dar respuesta a problemas. De hecho, cuando Ray Eames respondió a la pregunta “¿Cuales son los limites del diseño?” lo hizo escuetamente, preguntando “¿Cuales son los limites de los problemas?”. Estas 22 pantallas, mostrando simultáneamente múltiples imágenes, recuerdan al Mnymosene Atlas de Aby Warburg, cuyas laminas sugerían nuevas relaciones, lo que Warburg denominó ‘iconología del intervalo’. Think explora el significado denotativo de las imágenes y el connotativo en el uso del montaje estableciendo relaciones.

Instalación con diseño de sillas

El significado no está en la cosas, sino entre las cosas. El desarrollo del pensamiento visual en el trabajo de los Eames tal vez alcance su punto de mayor interés en la película Powers of Ten (1977). Este sugerente y poético titulo, hace referencia a una pieza que reflexiona sobre la escala humana y el universo, según una escala logarítmica basada en el factor 10. La cámara se aleja del plano cercano de una pareja durmiendo en un parque, como si estuviera haciendo ‘zoom out’ en Google Earth, hasta alcanzar la escala del universo, para después volver a acercarse. Los Eames unen de nuevo la ciencia y el diseño mediante esta reflexión visual. Powers of Ten traspasa el mundo de los Eames, como queda patente en el hecho de que el termino “Powers of Ten“lo usan especialistas en efectos especiales para denominar una toma de esta naturaleza.

La importancia que los Eames dieron a la escenificación también se ve reflejada en el diseño de juguetes, como el escenario para niños, el elefante de madera y la Casa de Cartas (House of Cards), presentes en la exposición.

Arts and Architecture, revista para la que Ray diseño numerosas portadas, les encargó en 1945 el diseño de la Case Study 8 y a Charles Eames, junto con Eero Saarinen, el diseño de la Case Study 9. Case Study 8, en el medio de la naturaleza, captura la vida moderna. La estructura de acero y cristal, transparente y flexible. Esta casa fue erigida en un solo día y cuidadosamente fotografiada por Julius Shulman, quien fotografió varias Case Study Houses. Aquí se percibe como la arquitectura y la fotografía se sirven recíprocamente en busca del mismo objetivo: mostrar al mundo como Estados Unidos hace frente y define la modernidad. Del mismo modo, los Eames usaron su casa como un escenario, llevando a cabo en su interior performances, como la Ceremonia de Te en 1951, elegantemente fotografiada. Los Eames navegan grácil y constantemente entre la realidad y la ficción, el pragmatismo y la imaginación, sin que estos sean conceptos excluyentes. Esta Ceremonia de Te muestra como la tradición tiene cabida en la modernidad. Los Eames encontraron riqueza y nuevos significados en las interrelaciones, palpable en el carácter interdisciplinar de su trabajo.

Esta energía, ilusión y positivismo se capturó en 1949 en la exposición ‘Para la Vida Moderna’ (For Modern Living), para la cual los Eames desarrollaron un espacio con su mobiliario que respondía a esta idea, que fue seguida en el Reino Unido por ‘Esto es Mañana’ (‘This is Tomorrow’), en la que participaron los Smithson, respondiendo al mundo surgido tras la guerra de la producción en masa y las nuevas tecnologías.

“What works is better than what looks good… The looks good can change, but what works, works.” (Ray Eames)

La exposición intenta captar la universalidad del diseño y la creatividad en eltrabajo de los Eames, y lo hace con indiscutible éxito. Esta visión íntegra del diseño está presente en otros coetáneos de los Eames. Olivetti, desde Italia, con una infraestructura mucho más compleja, también buscaba esa integración del diseño y la tecnología en la totalidad de su mundo: en las maquinas de escribir, en los manuales de instrucciones, en la publicidad, en el urbanismo y en la arquitectura, haciendo frente así a la modernidad. La ambición de Charles y Ray Eames de que el diseño y el conocimiento alcanzara al mayor numero de personas se ve plasmado en sus diseños, capaces de ser producidos en serie, en sus películas, capaces de ser proyectadas infinitamente. Su percepción global del conocimiento y la búsqueda del descubrimiento de nuevas interrelaciones se manifiesta en sus películas e instalaciones. Su diseño aún está vigente. Ray seguía la máxima de que la estética puede cambiar mientras que la utilidad no. Probablemente por esta razón sus diseños orgánicos, muchas veces transformados por otros diseñadores, inundan el mundo que habitamos. Sus trabajos son fácilmente reconocibles, su espíritu relajado, libre y alegre traspasa su obra y se hace palpable. Tomaron el legado de la Bauhaus, pero rompieron con el circulo, el triangulo y el cuadrado, sin permitir que ninguna norma establecida limitara su diseño y su campo de trabajo.

No tuvieron la necesidad de pertenecer a ningún movimiento, su única necesidad fue saciar su curiosidad. Esta exposición, ya clausurada en Londres, viajará a Umeå y Lisboa. Ya sea en el norte o en el sur, merece la pena perseguirla.